Πως 13 διάσημοι σκηνοθέτες δουλεύουν με τους ηθοποιούς τους

Κάθε ηθοποιός λαχταρά να παίξει σε ταινία σπουδαίου σκηνοθέτη - κάποιον για να τον καθοδηγήσει και να μάθει πολλά από εκείνον. Από τον David Lynch έως τον Alfred Hitchcock, οι 13 διάσημοι σκηνοθέτες που ακολουθούν ανέπτυξαν τις δικές τους κινηματογραφικές γλώσσες, δημιούργησαν δικούς τους φιλμικούς κόσμους και το πιο σημαντικό, ανέπτυξαν μοναδικές προσωπικές σχέσεις με τα καστ τους. Μάθετε για την ατμόσφαιρα στα γυρίσματα του Wes Anderson, τις απαιτήσεις του Stanley Kubrick από τους ηθοποιούς του και την αντάρτικη προσέγγιση των γυρισμάτων του Jean-Luc Godard.

ΣΧΕΤΙΚΑΑφιέρωμα: Σκηνοθέτες που έκαναν remake στον εαυτό τους

Alfred Hitchcock (1925-1976)

«Όλοι οι ηθοποιοί είναι βόδια» είχε δηλώσει ο διάσημος σκηνοθέτης για να πει αργότερα «δεν λέω ότι όλοι οι ηθοποιοί είναι βόδια αλλά ότι θα πρέπει να τους συμπεριφερόμαστε σαν βόδια». Αυτό έκανε μια από τις ντίβες του, την Carole Lombard, να βάλει στην ταινία Mr and Mrs Smith τρία μοσχάρια που το καθένα είχε το όνομα ενός ηθοποιού. Η σχέση του Χίτσκοκ με τους ηθοποιούς ήταν αμφιλεγόμενη, αλλά στον πυρήνα του ο Χίτσκοκ αγαπούσε ηθοποιούς που ήταν τόσο αφοσιωμένοι στην τέχνη τους όσο ήταν και ο ίδιος. Ο Χίτσκοκ ξεκίνησε την ερωτική του σχέση με τον κινηματογράφο όταν ήταν ακόμα στο βουβό σινεμά, πριν από το σύστημα του στούντιο και πριν οι ηθοποιοί τεθούν σε ένα βάθρο που βγάζει χρήματα. Σε συζήτησή του με τον Γάλλο σκηνοθέτη François Truffaut, αναφέρεται συγκεκριμένα στο απόσπασμα που έλαβε τόση αντίδραση από την κοινότητα του Χόλιγουντ. Υπενθυμίζει εμπειρίες από το ότι έπρεπε να επισπεύσει τις σκηνές του για ένα χαλαρό μεσημεριανό γεύμα με έναν ηθοποιό" Τελικά, δεν ήταν ηθοποιοί που δεν του άρεσαν, ήταν η επίδειξη για λόγους διαφορετικούς από τους δικούς του (δηλαδή τη φήμη και το κέρδος), των οποίων τα εγώ θα μπορούσαν να γίνουν εμπόδιο στο σετ. Διατηρώντας τον απόλυτο έλεγχο της δημιουργίας του, μια ταινία έφερε βάρος για τον Χίτσκοκ. Το σκηνοθετικό του στυλ ήταν απλό.

Συχνά προκαλούσε αληθινά συναισθήματα  στους ηθοποιούς του, τα οποία ταίριαζαν με τον χαρακτήρα για να πάρει τη λήψη που χρειαζόταν: «Αν ήθελε να είσαι θυμωμένος, θα σε προκαλούσε μερικές φορές σε κατάσταση οργής», είπε η Diane Baker («Marnie» 1964) . «Θυμάμαι μια σκηνή όπου έπρεπε να είμαι δυνατή και εξοργισμένη. Απλώς στάθηκε εκεί και δεν θα με κοίταζε ή δεν θα μου μιλούσε πριν από τη λήψη .... Αργότερα, συνειδητοποίησα ότι ήταν όλα μια τακτική. Όταν ο ηθοποιός της μεθόδου Montgomery Clift αναρωτήθηκε εάν ο Ρωμαιοκαθολικός χαρακτήρας του θα κοίταζε ένα κτίριο ενώ διέσχιζε το δρόμο, ο Hitchcock κατέστησε σαφές ότι η γνώμη του Clift δεν λάμβανε υπόψη τη μεγαλύτερη εικόνα. Η εικόνα είχε σημασία για τη δημιουργία μιας συγκεκριμένης στιγμής που ταιριάζει στο μεγαλύτερο σκηνοθετικό του όραμα.

 Ήταν αυτή η προσοχή στη λεπτομέρεια και μια μέθοδος αφήγησης που έχουν καταστήσει τον Hitchcock έναν θρύλο. Οι θαυμαστές του είναι ερωτευμένοι με το ένα στοιχείο των ταινιών του ή το άλλο, αλλά η ομορφιά της καλλιτεχνίας του έγκειται στους μυριάδες τρόπους που μπορεί να διαβαστεί το έργο του. Κατά τη διάρκεια ομιλίας του στο Αμερικανικό Ινστιτούτο Κινηματογράφου το 1979, ο Truffaut συνόψισε την αγάπη του για τον σκηνοθέτη με αυτόν τον τρόπο: «Στην Αμερική, τον σέβεστε γιατί γυρίζει σκηνές αγάπης σαν να ήταν σκηνές δολοφονίας. Εμείς [οι Γάλλοι] τον σεβόμαστε γιατί γυρίζει σκηνές δολοφονίας σαν σκηνές αγάπης». Στο ντοκιμαντέρ "78/52" βλέπουμε πώς γυρίστηκε μια από τις εμβληματικότερες σκηνές δολοφονίας. Η ταινία είναι διαθέσιμη στο Cinobo.

William Wyler (1926-1970)

Υπάρχει συζήτηση για το αν ο Wyler ήξερε πώς να βγάλει την ερμηνεία από έναν ηθοποιό για να τον τραβήξει η κάμερα. Ο σκηνοθέτης έκανε το άλμα του στη δεκαετία του '40 όπου οι ταινίες του κέρδισαν διαδοχικές υποψηφιότητες ερμηνείας στα Όσκαρ. Ξεκινώντας με το "The Little Foxes" του 1941, το οποίο έφτασε τις εννέα, το επόμενο έτος είχε 12 υποψηφιότητες με 6 νίκες για την “Mrs. Miniver”, ακολουθούμενο από το "The Best Years of Our Lives" το 1946, το οποίο είχε 8 υποψηφιότητες με 7 νίκες. Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, θα σκηνοθετήσει 14 ταινίες, συμπεριλαμβανομένων εκείνων για την Audrey Hepburn ("Roman Holiday"1953), τον Charlton Heston ("Ben-Hur," 1959) και την Barbra Streisand, για το "Funny Girl" το 1968. Ο Wyler ήταν γνωστός ως τελειομανής. Ήταν αδυσώπητος στην αναζήτηση του συναισθηματικού βάθους και της πολυπλοκότητας. «Ενώ μπορεί να μην είναι δυνατό να εντοπιστεί ένα στυλ υπογραφής», έγραψε ο A.O. Ο Scott στους New York Times, «o Wyler ήταν πλοίαρχος συντονισμού, σύνθετης σύνθεσης. [Περιλαμβάνει] σκηνές των οποίων το βάθος και το πλάτος φαίνεται να υπερβαίνουν τις δυνατότητες της κάμερας».

Orson Welles (1938-1984)

Η καριέρα του Welles ξεκίνησε έντονα και γρήγορα. Έκανε το μεγάλο του ντεμπούτο το 1941 σε ηλικία 25 ετών με ένα άνευ προηγουμένου συμβόλαιο με την RKO Pictures και πέθανε μόνος το 1985. Αλλά ο Welles πιστώνεται ότι έκανε την αναμφισβήτητα καλύτερη ταινία όλων των εποχών, το "Citizen Kane". Ενώ συνέχισε να κάνει 12 ακόμη ταινίες, ο "Kane" ρίχνει μια μεγάλη σκιά στο υπόλοιπο έργο του. Κινηματογραφικές καινοτομίες, μια λανθάνουσα αλλά ισχυρή κριτική του καπιταλισμού μέσω του επιχειρηματία της πραγματικής ζωής και του εκδότη εφημερίδων William Randolph Hearst, καθώς και μια εξαιρετική χρήση σκιών και φωτός, άφησε ένα ανεξίτηλο αποτύπωμα στην ιστορία.  Για περισσότερα σχετικά με την προσέγγιση του Welles δείτε αυτό το βίντεο χρησιμοποιώντας διάφορες σκηνές από το "Citizen Kane" ως παραδείγματα.

Ως σκηνοθέτης, ποτέ δεν πέτυχε ξανά τον πλήρη δημιουργικό έλεγχο που είχε στο "Kane", το οποίο περιλάμβανε το "τελικό cut" της ταινίας - ένα προνόμιο που είχε μόνο ο Τσάρλι Τσάπλιν εκείνη την εποχή - αλλά η σκηνοθεσία, είπε, ήταν η μόνη δουλειά που του άρεσε πολύ.  Με το καστ του έγραφε ξανά τον διάλογο επί τόπου όπως έκανε με το «Touch of Evil» και ήταν γνωστό ότι πραγματοποιούσε πρόβες πριν από το γύρισμα. «Η δράση είναι σαν γλυπτική», είπε. «Είναι αυτό που παίρνεις από τον εαυτό σου για να αποκαλύψεις την αλήθεια του τι κάνεις. Μια ταινία όταν αξίζει να θεωρηθεί υπέροχη ή σημαντική αποτελείται σχεδόν εξ ολοκλήρου από τον ίδιο τον ηθοποιό». Για μια εισαγωγή στον Welles χωρίς την πίεση μιας προσδοκίας όπως "αυτή είναι η καλύτερη ταινία όλων των εποχών", ξεκινήστε με το "Lady From Shanghai" (1947), ένα συναρπαστικό noir με πρωταγωνίστρια τη τότε σύζυγό του Ρίτα Χέιγουορθ. Πολλά από τα σχόλια της ταινίας για την απληστία, τον φόβο του περιορισμού και τον ηρωισμό έρχονται σε παραλληλία με τις εμπειρίες του Welles στο Χόλιγουντ και το γάμο. Από τεχνικής απόψεως, περιέχει μερικές από τις καλύτερες κινηματογραφικές λήψεις του Welles (ειδικότερα την αίθουσα των καθρεφτών), οι οποίες έχουν μείνει στην ιστορία, τις έχουν μιμηθεί ή παρωδήσει.

Akira Kurosawa (1943-1998)

Η επίδραση του Kurosawa πηγαίνει από το Tarantino στο Spike Lee. Ο Ιάπωνας σκηνοθέτης είναι βιρτουόζος της κινηματογραφικής τέχνης και πρωτοπόρος ταινιών δράσης. Η προσέγγισή του για την κίνηση της κάμερας, το φωτισμό, το σκηνικό και την απόδοση μας έχει δώσει μερικές από τις πιο σημαντικές ταινίες μέχρι σήμερα.

Ξεκινώντας με την τεχνική του δουλειά, η ρευστότητα του Kurosawa με κινήσεις της κάμερας σήμαινε ότι ήταν αρκετά ευκίνητος για να περάσει από μια κοντινή σε μια μακρινή λήψη, σε μια λήψη πάνω από τον ώμο, σε μία απλή λήψη. Συνολικά, ο Kurosawa διατηρεί την κίνηση σε μια κινηματογραφική ταινία, στρεφόμενος στη δράση είτε από τους ηθοποιούς του είτε από το σετ του πριν από τον διάλογο. Διαλέξτε οποιαδήποτε σκηνή από οποιαδήποτε από τις ταινίες του και παρατηρήστε τη χρήση της ορμής, των περικοπών και των αλλαγών στη σκηνή. Έχουν σχεδόν πάντα αισθητικά και απτά στοιχεία (βροχή, άνεμος) για να βιώσει το κοινό. Ενώ φημίζεται για τη φωτογραφική του επιδεξιότητα, ο σκηνοθέτης βασίστηκε επίσης πολύ στο καστ του για να συλλάβει την επιθυμητή διάθεσή του, απαιτώντας τους να είναι πλήρως παρόντες στο περιβάλλον του. «Το χειρότερο πράγμα που μπορεί να κάνει ένας ηθοποιός είναι να δείξει την ευαισθητοποίησή του για την κάμερα», δήλωσε ο Kurosawa στο βιβλίο του «Κάτι σαν μια αυτοβιογραφία». «Συχνά όταν ένας ηθοποιός ακούει την κάμερα θα ενταθεί, θα αλλάξει τις γραμμές όρασης και θα παρουσιαστεί πολύ αφύσικα.

Αυτή η αυτοσυνείδηση ​​εμφανίζεται πολύ καθαρά στο μάτι της κάμερας. Πάντα λέω δεν χρειάζεται να κοιτάς την κάμερα. Αλλά όταν ξέρει πού βρίσκεται η κάμερα, ο ηθοποιός πάντοτε, χωρίς να το γνωρίζει, γυρίζει στο μισό της κατεύθυνσής του. Με πολλές κινούμενες κάμερες, ωστόσο, ο ηθοποιός δεν έχει χρόνο να καταλάβει ποιος τον καταγράφει». (Ο Spike Lee χρησιμοποιεί συχνά αυτήν την τακτική.) Συχνά ζητούσε από τους ηθοποιούς του να διαλέξουν μια χειρονομία που να αντιπροσωπεύει τον χαρακτήρα τους και να την επαναλάβει σε όλη την ταινία. Η διεθνής επιτυχία του Kurosawa ήρθε με το "Rashôman" (1951) και ακολούθησε την επιτυχία με το "Seven Samurai" και το "Yojimbo" το 1961. Αν είστε οπαδός του "Star Wars", το να παρακολουθείτε το "Hidden Fortress"/1958 μπορεί να είναι πιο ελκυστικό καθώς οι παραλληλισμοί μεταξύ Kurosawa και George Lucas είναι προφανείς.

Elia Kazan (1945-1976)

Ένας σκηνοθέτης ηθοποιών της μεθόδου και συνιδρυτής του Actors Studio, ο Kazan έβγαλε μια αλήθεια από τους ερμηνευτές του που δεν είχε ξαναδεί. «Η Μέθοδος είναι τρομερά ανθρώπινη, βαθιά ανθρώπινη», είπε σε συνέντευξή του πριν από το θάνατό του το 2003. Σύμφωνα με τον Καζάν, η Μέθοδος επικεντρώθηκε στην αξιοπρέπεια του ανθρώπινου συναισθήματος και όχι στην «επίδειξη», όπως το περιέγραψε, συνήθως μοιάζει με την παράσταση του κλασικού ηθοποιού. Ενώ βρήκε «καλλιτεχνική εκπλήρωση» στο θέατρο με παραστάσεις που βραβεύτηκαν με Tony, όπως το "Death of a Salesman" του Arthur Miller και το "All My Sons", βρήκε εμπορική επιτυχία στο σινεμά.

Ανάμεσα στους πρωταγωνιστές που καταξιώθηκαν μέσα από ταινίες του να περιλαμβάνονται οι Μάρλον Μπράντο και Τζέιμς Ντιν σε ταινίες όπως το "East of Eden", "On the Waterfront" χωρίς να αγνοείται ή λησμονείται η κατάδοση ονομάτων για τη μαύρη λίστα του Χόλιγουντ κατά την εποχή του McCarthy, ένα μελανό σημείο στην καριέρα του που έκανε πολλούς να αποχωρήσουν από την αίθουσα όταν παρέλαβε τιμητικό βραβείο Όσκαρ. Το “A Streetcar Named Desire” του Tennessee Williams είναι από τις μεγαλύτερες επιτυχίες του. Οι μέθοδοι του με τους ηθοποιούς ήταν αμφισβητήσιμες (συχνά έβαζε τα μέλη του καστ να έρχονται σε σύγκρουση για να συλλάβουν «πραγματικό συναίσθημα»), δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η σκηνοθετική του εστίαση στο συναίσθημα και τα πάθη ανέδειξε τις ερμηνείες και τους ηθοποιούς.

Stanley Kubrick (1953-1999)

Έχει περιγραφεί ως εμμονικός, περίπλοκος, τελειομανής. Σύμφωνα με τον Malcolm McDowell που πρωταγωνίστησε στο "A Clockwork Orange" (1971), ο Kubrick συχνά δεν ήξερε τι ήθελε, αλλά ήξερε τι δεν ήθελε. Η προσέγγισή του στη δημιουργία ταινιών ήταν λοιπόν ότι όποιος θέλει να καταλάβει πόσο αφοσιωμένος ήταν στη διαδικασία, πρέπει να κοιτάξει μόνο τη φροντίδα που έδωσε σε στοιχεία όπως φωτισμός, κοστούμια και φωτογραφία. Είναι καλά τεκμηριωμένο ότι οι μέθοδοι του Kubrick κατά την διάρκεια του γυρίσματος ήταν στην καλύτερη περίπτωση αμφισβητήσιμες. Η Shelley Duvall, για παράδειγμα, έθεσε το παγκόσμιο ρεκόρ για τον αριθμό των λήψεων για μια σκηνή — 127 — όπου κρατούσε ένα ρόπαλο εναντίον του συμπρωταγωνιστή της στο “The Shining” Jack Nicholson. Ήταν τόσο εξαντλημένη μέχρι το τέλος της παραγωγής της ταινίας, που σύμφωνα με πληροφορίες άρχισε να χάνει τα μαλλιά της.

Ο Kubrick ανέμενε πάντα ότι το καστ του ήταν έτοιμο να εκτελέσει τα ζητούμενα. Όταν ο McDowell ζήτησε κάποια κατεύθυνση σε μια συγκεκριμένη σκηνή, η απάντηση του Kubrick ήταν: «Δεν είμαι RADA», αναφερόμενος στη Βασιλική Ακαδημία Δραματικών Τεχνών. Εάν ήσασταν στο σετ του Kubrick, ήταν επειδή σας εμπιστεύτηκε να κάνετε τη δουλειά. ήταν η μεγαλύτερη απαίτησή του από το cast. Ο Ryan O'Neal, ο οποίος εμφανίστηκε στο "Barry Lyndon", δήλωσε ότι είχε ένα υπέροχο λεξιλόγιο προς τους ηθοποιούς όταν έπρεπε να επικοινωνήσει αυτό που χρειαζόταν από αυτούς. Ένας σκηνοθέτης που δεν δίστασε να δοκιμαστεί σε όλα τα είδη ξεκινώντας με το "Fear and Desire" (1953) και τελειώνοντας με το "Eyes Wide Shut" (1999).

Andrei Tarkovsky (1956-1986)

Λίγοι έχουν χρησιμοποιήσει τον κινηματογράφο ως ποιητικό εργαλείο, αντλώντας από μοναχικές εικόνες για να εκφράσουν καθολικά μηνύματα, όπως ο Tarkovsky. Σοβιετικός σκηνοθέτης της εποχής του Ψυχρού Πολέμου,  διαχειρίστηκε θέματα χρόνου, απώλειας και θνησιμότητας και τα μετέτρεψε σε αιθέρια και ατμοσφαιρική εμπειρία. Οι ταινίες του είναι πιο πολύ εμπειρίες. Το σκηνοθετικό του στιλ περιλαμβάνει ένα μείγμα πλάνων μεγάλων διαστάσεων και υπέροχου σχεδιασμού ήχου που συχνά τονίζει ή εντείνει έναν ουσιαστικό ήχο για έναν χαρακτήρα. Ενώ η ανάληψη του ρόλου του ηθοποιού σε μια ταινία ήταν ελαφρώς πουριτανική, το σκηνοθετικό του όραμα ήταν αρκετά σαφές για να οδηγήσει το καστ του σε μια πραγματικά συναισθηματική εμπειρία που ανήκει εξ ολοκλήρου στον χαρακτήρα. «Το μοναδικό καθήκον [του ηθοποιού]», σύμφωνα με τον Tarkovsky, «είναι να μας οδηγήσει πιο κοντά στη ζωή, δηλαδή να είμαστε γνήσιοι, ειλικρινείς και φυσικοί. Τίποτα περισσότερο και τίποτα λιγότερο ".

Ο Tarkovsky πίστευε ότι οι επαγγελματίες ηθοποιοί είναι αυτοί που ήταν πρόθυμοι να εμπιστευτούν το όραμά του χωρίς να αναμιχθούν σε αυτό ή να προσπαθήσουν να φτιάξουν μια τελική εικόνα της ταινίας. Για μια καθαρή ταρκοφσκική εισαγωγή στον κινηματογράφο, παρακολουθήστε το "Stalker" του 1979 μία από τις 10 ταινίες του. Η ταινία κάνει εμφανείς αναφορές στα πυρηνικά εργοστάσια δοκιμών της Σοβιετικής Ένωσης, στις άγονες πόλεις που τους περιβάλλουν και στα συχνά παραμορφωμένα παιδιά που ζούσαν στα περίχωρά τους - μια σκοτεινή και αληθινή εισαγωγή. Επίσης, είναι από τις λίγες περιπτώσεις σκηνοθετών που όλες οι ταινίες της φιλμογραφίας του αγγίζουν τα όρια του αριστουργήματος.

Jean-Luc Godard (1960-σήμερα)

Ένας κριτικός κινηματογράφου των Cahiers du Cinema μετατράπηκε στον κινηματογράφο πρωτοπόρο του Γαλλικού Νέου Κύματος στα τέλη της δεκαετίας του '50 και στις αρχές της δεκαετίας του '60. Δεν αποφεύγει απλώς την κλασική κινηματογραφική τεχνική, το έκανε με ταλέντο και με πρωτοφανή ευφυΐα. Για παράδειγμα, για να χειριστεί την αντίληψη για το πέρασμα του χρόνου, εφάρμοσε την πρώτη χρήση των jump cuts το 1960 στο «Breathless». Η τεχνική δημιουργίας έντασης αργότερα θα χρησιμοποιηθεί σε εμβληματικές ταινίες όπως το "Goodfellas" και το "2001: A Space Odyssey" (1968).

Ο σκηνοθέτης συνεργαζόταν συχνά με μη επαγγελματίες ηθοποιούς σε τοποθεσίες στους δρόμους του Παρισιού. Οι μούσες του περιλάμβαναν την Anna Karina, με την οποία είχε και σχέση και την Brigitte Bardot. Σπανίως χρησιμοποιούσε σενάριο, συνήθως έδινε κάποια κομμάτια στους ηθοποιούς και στη συνέχεια έκανε πρόβα και  σύμφωνα με την Karina. «Εκτιμήσαμε ότι αυτό που κάναμε ήταν διαφορετικό από τον τρόπο που μας σκηνοθέτησε ο Jean-Luc», είπε σε συνέντευξη του 2016 στους New York Times. «Σε παλαιότερες ταινίες του Χόλιγουντ, ένας χαρακτήρας θα κάνει μια είσοδο, θα κλείσει μια πόρτα, θα ανάψει ένα τσιγάρο, θα καθίσει, θα πιει. Στις ταινίες του Jean-Luc, κάναμε τα πάντα ταυτόχρονα. Μερικές φορές το τσιγάρο δεν θα ανάβει στην πρώτη προσπάθεια». Στην ηλικία των 90 ετών, ο Godard εξακολουθεί να εργάζεται με έναν νέο και εξίσου ρηξικέλευθο τρόπο.

Mike Nichols (1967-2007)

Πάνω από μια δεκαετία μετά την κυκλοφορία της τελευταίας του ταινίας, ο υπεύθυνος για το "The Graduate" συνεχίζει να εκτιμάται ως σκηνοθέτης ηθοποιών. Ο Nichols ήταν ένας αδιαμφισβήτητος γνώστης της ανθρώπινης συμπεριφοράς, ικανός να αποστάξει την ταυτότητα ενός χαρακτήρα σε μερικές ώρες στην οθόνη ή στη σκηνή. Περιγράφηκε ως παρατηρητής στα περίχωρα του Χόλιγουντ, ένα χαρακτηριστικό που αποδίδεται στο ότι γεννήθηκε στο Βερολίνο και μετακόμισε στην Αμερική σε ηλικία 7 ετών. Ήταν η προοπτική του εξωτερικού που πολλοί είδαν ως πλεονέκτημα, και ίσως ήταν αυτό που τον έκανε ικανό να συλλάβει τέλεια τη «πεμπτουσία αμερικανική» ζωή για ένα κλασικό όπως το «The Graduate». Πριν πεθάνει το 2014, ο Nichols πέτυχε το φαινόμενο EGOT, δηλαδή να κερδίσει Emmy, Grammy, Oscar και Tony, σκηνοθετώντας 22 έργα του Broadway (με εννέα νίκες Tony) και 20 ταινίες (με πέντε υποψηφιότητες για Όσκαρ και μία νίκη). Η δουλειά του χαιρετίστηκε από τους David O. Russell και Marc Webb ως τον λόγο που ήθελαν να κάνουν ταινίες. Ξεκίνησε ως ηθοποιός θεάτρου, γράφοντας και αυτοσχεδιαστικά σκετς μαζί με την Elaine May πριν σπουδάσει με τον Lee Strasberg στο στούντιο του ηθοποιού στη Νέα Υόρκη.
Η πρώτη του ταινία ήταν μια προσαρμογή του θεατρικού έργου του Έντουαρντ Άλμπι του 1962 με τίτλο «Ποιος φοβάται τη Βιρτζίνια Γουλφ;» και πρωταγωνίστησαν οι Elizabeth Taylor και Richard Burton. Οι σπουδαίοι ηθοποιοί ήθελαν πάντα να δουλεύουν μαζί του, ίσως επειδή τους καταλάβαινε.. Σε ερώτηση πώς έρχεται τόσο κοντά με τους ηθοποιούς είχε απαντήσει: «Περνάτε μερικές εβδομάδες μαζί,  ξεκινήστε με την απλή εξεύρεση απαντήσεων σε πολλές ερωτήσεις - Σε τι αφορά αυτό; Και αν πρόκειται για τον Χ, πώς είναι πραγματικά ο Χ στη ζωή; "

David Lynch (1977-σήμερα)

Μετρ της σουρεαλιστικής διάθεσης, το στιλ του Λιντς ακροβατεί ανάμεσα στο γκροτέσκο και το πανέμορφο. Τα πιο γνωστά έργα του, "Mulholland Drive", "Blue Velvet" και φυσικά "Twin Peaks", εισέβαλαν στην υποσυνείδητη, ονειρική κατάσταση και σπρώχνοντάς την στους κοσμικούς κόσμους των πρωταγωνιστών του, αναδύθηκε μια εφιαλτική πραγματικότητα που αγαπήσαμε. Είναι ακριβώς αυτή η ικανότητα που κάποιος όπως ο David Foster Wallace τόνισε ως ιδιοφυΐα του σκηνοθέτη. Ο σκηνοθέτης αψηφά τη σύμβαση, χρησιμοποιώντας εξειδικευμένα στοιχεία όπως ο χρωματικός συνδυασμός, ο ήχος και ο φωτισμός για να δημιουργήσει έναν κόσμο παράξενο και οικείο.

«Κανείς δεν σπάει τα όρια έτσι», δήλωσε η Laura Dern, η μακρόχρονη μούσα του Λιντς στο Backstage. «Υπάρχουν τόσο λίγοι καλλιτέχνες σε οποιαδήποτε μορφή τέχνης που αφήνουν το αποτύπωμά τους παντού. Ο Ντέιβιντ ανάβει μια λάμπα, ζωγραφίζει ένα σκηνικό, ξαναγράφει κάτι, δημιουργεί ένα πλάνο και αναμιγνύει ένα χρώμα που πιστεύει ότι είναι το χρώμα των χειλιών που θέλει επειδή δεν υπάρχει - αυτός είναι ο Ντέιβιντ σε μια ώρα σε ένα σετ». Δεν έκανε ποτέ ακρόαση, όπως αναφέρεται. «Περπάτησε σαν μια σπασμένη κούκλα», είπε κάποτε στη Laura Elena Harring («Mulholland Drive») όταν επρόκειτο να παίζει βασανισμένη και τραυματισμένη. Το λιντσεϊκό στιλ έχει μείνει στην ιστορία του κινηματογράφου και εξ’ού ο όρος που δείχνει την μοναδικότητα του ύφους του.

Wes Anderson (1996-σήμερα)

Το κοινό αναγνωρίζει αμέσως τον σκηνοθέτη όταν παρακολουθεί μία από τις εννέα ταινίες μεγάλου μήκους του Άντερσον, που περιγράφονται ως ιδιότροπες και ιδιοσυγκρασιακές. Είναι έξι φορές υποψήφιος για Όσκαρ και συνεχίζει να προωθεί τις τέλεια δημιουργημένες πραγματικότητές του. Μετά από δύο δεκαετίες στο παιχνίδι, γίνεται όλο και πιο ξεκάθαρο: η δημιουργία ταινιών χρησιμεύει ως επέκταση του ονειροπόλου κόσμου του Άντερσον και ζούμε απλώς σε αυτό. Για την παραγωγή στο "The Grand Budapest Hotel", εξασφάλισε ένα ξενοδοχείο στα σύνορα της Γερμανίας και της Πολωνίας που κατοικούνταν μόνο από το καστ και το συνεργείο, όπου ζούσαν όλοι κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων.  Πλήρωσε έναν καλλιτέχνη για να ζωγραφίσει κάθε μέλος του καστ με το κοστούμι - όχι για χρήση στην ταινία, αλλά για να κρεμαστεί στα δωμάτια των ηθοποιών για διατήρηση της διάθεσής τους. Ο Willem Dafoe αστειεύτηκε για την εμπειρία καθώς αισθάνθηκε σαν να είναι σε ένα σπίτι συνταξιοδότησης για ηθοποιούς όπου το τμήμα μαλλιών και μακιγιάζ καταλάμβανε το ίδιο μέρος με τον πάγκο πρωινού.

Ενώ οι ηθοποιοί του επιβεβαιώνουν ότι είναι ένας απαιτητικός σκηνοθέτης στο σετ - κάνει πολλές λήψεις και απαιτεί ακριβή προσήλωση στο σενάριο, η διαδικασία είναι αρκετά ικανοποιητική για να τους κρατήσει πίσω. Οι ηθοποιοί που συνεργάζονται συχνά με τον Άντερσον περιλαμβάνουν τους Dafoe, Bill Murray, Jason Schwartzman και Owen Wilson. «Είναι γλυκός, αλλά είναι σκληρός», είπε ο Dafoe σε συνέντευξή του. «Σε κάποιο επίπεδο, ο σκηνοθέτης πρέπει να είναι καλός στρατηγός. Και είναι ένας όμορφος στρατηγός. Τα στρατεύματα τον αγαπούν και είναι ξεκάθαρος για το τι πρέπει να κάνει».

Spike Lee (1983-σήμερα)

Ο Lee ξεκίνησε με την πρώτη του μεγάλου μήκους ταινία "She Gotta Have It", το 1986, και συνέχισε να σκηνοθετεί φιλμικά αριστουργήματα στη Νέα Υόρκη όπως "Do the Right Thing", "Summer of Sam" και "25η ώρα" και αργότερα το "Malcolm X" και "Inside Man". Ο σκηνοθέτης είναι ικανός να ξεδιπλώνει πολιτικά και κοινωνικά ζητήματα χωρίς να γίνεται διδακτικός συνδυάζοντας τον ακτιβισμό και την ποπ αρτ που τον έκανε συνώνυμο με τον πολιτισμό του Μπρούκλιν. Συνεργάστηκε αρκετές φορές με τον υποψήφιο για Όσκαρ Denzel Washington, τον Clive Owen, τον Lawrence Fishbourne και τον Giancarlo Esposito.

Ο Lee είναι γνωστός για τα σφιχτά πλάνα στα πρόσωπα των ηθοποιών, στα πλάνα προφίλ και στις ακραίες γωνίες που δίνουν στο κοινό μια άλλη προοπτική. Συνεργάστηκε με τον Ernest Dickerson σε έξι ταινίες και συχνά απασχολεί τους μαθητές του κινηματογράφου για να δουλέψουν στα έργα του. Είναι ένας από τους λίγους μαύρους σκηνοθέτες που ξεχώρισαν για να δημιουργήσουν δουλειά στο ίδιο πνεύμα με τους Woody Allen και Orson Welles. Όταν πρόκειται να συνεργαστεί με τους ηθοποιούς του, ο Lee εμπιστεύεται πλήρως το καστ του. Το «Do the Right Thing» είναι το πρώτο αριστούργημα του σκηνοθέτη: Μια ταινία του Μπρούκλιν με πρωταγωνιστές τους Lee, Danny Aiello, Esposito, John Turturro και Ossie Davis που ασχολείται με τις φυλετικές εντάσεις την πιο καυτή μέρα της χρονιάς. Είναι ένα τέλειο παράδειγμα της ατρόμητης προσέγγισης του Lee σε ευαίσθητα θέματα.

Quentin Tarantino (1992-σήμερα)

Μερικές φορές χρειάζονται γενιές για να μετατραπούν οι σκηνοθέτες σε ουσιαστικά - Hitchcockian, Lynchian, Orwellian - αλλά στην περίπτωση αυτού του σεναριογράφου-σκηνοθέτη, το "Tarantino-esque" εμφανίστηκε λιγότερο από τρεις δεκαετίες αφότου χτύπησε το indie κινηματογραφικό κύκλωμα με το "Reservoir Dogs" το 1992. Η γραφική βία και η βιαιότητα είναι βασικά στοιχεία στο στιλ μαζί με την αγάπη του για την ποπ κουλτούρα και το σινεμά. Με την πλοκή που βασίζεται σε χαρακτήρες, ο Tarantino λέει ότι η τυπική λίστα του casting είναι πολύ μεγάλη. Ωστόσο, έχει και τους αγαπημένους του ηθοποιούς όπως οι Samuel L. Jackson, Tim Roth, Uma Thurman και Michael Madsen που συχνά τους βλέπουμε σε ταινίες του.  

Η ιδιαιτερότητά του όσον αφορά τους χαρακτήρες που δημιούργησε είναι το όνειρο ενός ηθοποιού. Να είστε βέβαιοι ότι αν υπάρχει ποτέ ερώτηση σχετικά με τα κίνητρα ενός χαρακτήρα, τους φόβους ή τα αγαπημένα δημητριακά, ο Tarantino, αφού τους έχει δημιουργήσει από την αρχή, μπορεί να το απαντήσει. Και αν δεν μπορεί, θα το καταλάβει και θα επικοινωνήσει μαζί σας. «Εγώ είμαι σε φάση τι χρώμα ήταν το κοστούμι μου όταν πέθανα σε άλλη ζωή;» εξήγησε ο Channing Tatum, ο οποίος δούλεψε στο «The Hateful Eight». «Και εκείνος λέει θα ​​αφιερώσω λίγο χρόνο και θα το σκεφτώ και θα επανέλθω σε εσένα και το κάνει. Επιστρέφει με μια έκθεση πέντε σελίδων».